Un viaggio tra opere che hanno trasformato il ritratto di gruppo in un campo di tensione, potere e dubbio
Immagina una stanza piena di persone che ti fissano. Non posano: ti interrogano. Chi comanda? Chi è invisibile? Chi racconta la storia e chi ne resta fuori? Il ritratto di gruppo non è mai stato un semplice esercizio di composizione. È un campo di battaglia. È teatro politico. È un atto di potere mascherato da pittura. Nel corso dei secoli, questo genere apparentemente stabile è stato fatto esplodere dall’interno. Artisti ribelli, visionari, scandalosi hanno preso l’idea stessa di “gruppo” e l’hanno piegata, rovesciata, frantumata. Non per ritrarre una comunità, ma per mettere in crisi l’idea di comunità.
- Dalla rappresentazione del potere alla messa in scena del dubbio
- La frattura moderna: quando il gruppo smette di obbedire
- La fotografia e l’invenzione della moltitudine
- Corpi politici, identità in conflitto
- Il ritratto di gruppo oggi: visibilità, riscrittura, sfida
Dalla rappresentazione del potere alla messa in scena del dubbio
Per secoli, il ritratto di gruppo è stato una celebrazione ordinata. Famiglie aristocratiche, corporazioni, consigli cittadini: tutti disposti secondo gerarchie leggibili, rassicuranti. Ogni volto al suo posto, ogni gesto codificato. Il messaggio era chiaro: il mondo funziona così.
Ma nel 1656 Diego Velázquez fa qualcosa di inaudito. Con Las Meninas, non si limita a ritrarre la corte spagnola: la mette in crisi. Il pittore entra nel quadro, lo sguardo dello spettatore diventa protagonista, il re e la regina sono riflessi, marginali, quasi fantasmi. Il gruppo non è più compatto: è instabile, ambiguo, inquietante.
Questa tela, oggi al centro di studi infiniti e ossessioni critiche, è spesso considerata l’atto di nascita del ritratto di gruppo moderno. Non perché mostri più persone, ma perché mette in discussione chi guarda e chi è guardato. Un ribaltamento che continua a risuonare, come raccontato anche nella ricostruzione storica di Las Meninas sul sito ufficiale del Museo Del Prado, diventata un simbolo di autoriflessività artistica.
Chi detiene davvero il potere in un’immagine: chi è al centro o chi controlla lo sguardo?
Con Velázquez, il ritratto di gruppo smette di essere una fotografia ante litteram del potere e diventa una macchina concettuale. Un dispositivo che genera dubbi, non certezze.
La frattura moderna: quando il gruppo smette di obbedire
Saltiamo al XIX secolo. La società europea è attraversata da rivoluzioni, industrializzazione, conflitti di classe. E l’arte non può più permettersi di mentire. Gustave Courbet prende il ritratto di gruppo e lo trascina nel fango del reale con L’Atelier del pittore (1855). Non un gruppo armonico, ma una folla dissonante: amici, nemici, lavoratori, intellettuali.
Courbet lo dichiara senza filtri: «Non posso dipingere un angelo perché non ne ho mai visto uno». Il gruppo non è più ideale, è contraddittorio. Ogni figura sembra portare un peso sociale, un ruolo politico. L’artista non unisce: espone le fratture.
Pochi anni dopo, Édouard Manet porta lo scandalo nel salotto borghese con Le Déjeuner sur l’herbe. Un gruppo apparentemente informale, ma carico di tensioni: sguardi che sfidano, nudità fuori contesto, ruoli sociali che collassano. Non è un ritratto ufficiale, ma è un ritratto generazionale. Un gruppo che non sa più come stare insieme.
Può un gruppo esistere senza condividere valori comuni?
Qui il ritratto di gruppo diventa una bomba a orologeria. Non celebra l’unità, ma mette a nudo l’imbarazzo, il desiderio, l’ipocrisia. È l’inizio di una lunga disobbedienza.
La fotografia e l’invenzione della moltitudine
Con il Novecento arriva un nuovo strumento: la fotografia. E con essa, una nuova ossessione: la massa. August Sander dedica la vita a ritrarre la società tedesca in tutte le sue classi e professioni. Il suo progetto non è un singolo quadro, ma una costellazione di volti che insieme formano un ritratto di gruppo diffuso, quasi scientifico. Qui il gruppo non è riunito nello stesso spazio, ma nello stesso tempo storico. Contadini, operai, intellettuali, emarginati: Sander li fotografa con una frontalità disarmante.
Nessun giudizio, nessuna idealizzazione. Solo la brutalità della presenza. Il risultato è un atlante umano che anticipa le fratture politiche del secolo. Negli anni Cinquanta, la mostra The Family of Man radicalizza ulteriormente il concetto. Curata come un racconto globale, presenta centinaia di immagini per costruire un unico, gigantesco ritratto di gruppo dell’umanità. Un’utopia visiva, certo, ma anche una dichiarazione ideologica: siamo tutti parte dello stesso racconto.
Il gruppo è una somma di individui o una narrazione imposta?
La fotografia dimostra che il ritratto di gruppo può esistere senza cornice, senza centro, senza gerarchie visibili. Ma proprio per questo diventa un terreno scivoloso, dove l’idea di universalità rischia di cancellare le differenze.
Corpi politici, identità in conflitto
Quando Pablo Picasso dipinge Guernica nel 1937, il ritratto di gruppo esplode definitivamente. Non ci sono volti riconoscibili, non c’è unità, non c’è consolazione. Eppure, è uno dei ritratti di gruppo più potenti mai realizzati: un popolo colpito, frammentato, urlante. Qui il gruppo non è rappresentato come comunità, ma come trauma condiviso.
I corpi si incastrano, si sovrappongono, si spezzano. L’identità collettiva nasce dalla violenza subita. È un’immagine che rifiuta ogni retorica eroica e costringe lo spettatore a entrare nel caos.
Negli anni successivi, artisti come Nan Goldin portano il ritratto di gruppo nell’intimità radicale. Le sue fotografie di amici, amanti, comunità queer non costruiscono un’icona stabile, ma un diario visivo. Il gruppo è fragile, temporaneo, spesso autodistruttivo. Ma proprio per questo è vero.
Quanto dolore può contenere un’immagine prima di diventare insopportabile?
In questi lavori, il ritratto di gruppo non chiede approvazione. Chiede presenza. Chiede responsabilità. È una chiamata etica, non estetica.
Il ritratto di gruppo oggi: visibilità, riscrittura, sfida
Nel presente, il ritratto di gruppo è diventato un atto di riscrittura. Kehinde Wiley, noto per i suoi ritratti monumentali, prende gruppi storicamente esclusi dalla pittura ufficiale e li colloca in pose regali, eroiche. Giovani afrodiscendenti occupano lo spazio un tempo riservato a generali e sovrani. Qui il gruppo non chiede permesso.
Si appropria della storia visiva occidentale e la piega alle proprie esigenze. Ogni dettaglio – dallo sfondo ornamentale allo sguardo diretto – è una dichiarazione di esistenza. Non si tratta di correggere il passato, ma di sfidarlo apertamente. Artisti come JR lavorano invece su scala urbana, trasformando intere facciate in ritratti di gruppo. Volti anonimi, ingigantiti, diventano impossibili da ignorare. Il gruppo invade lo spazio pubblico, interrompe la routine, costringe a guardare.
Chi ha diritto di essere visibile oggi?
Nel caos visivo del nostro tempo, il ritratto di gruppo sopravvive perché sa adattarsi. Non promette unità, ma dialogo. Non offre risposte, ma domande urgenti.
Sette opere che hanno cambiato tutto
- Las Meninas – Diego Velázquez
- L’Atelier del pittore – Gustave Courbet
- Le Déjeuner sur l’herbe – Édouard Manet
- Progetto Uomini del XX secolo – August Sander
- The Family of Man – mostra collettiva
- Guernica – Pablo Picasso
- Ritratti di gruppo contemporanei – Kehinde Wiley
Oggi, parlare di ritratto di gruppo significa parlare di conflitto, visibilità, memoria. Significa accettare che nessun gruppo è stabile, nessuna identità è fissa. Le opere che hanno reinventato questo genere non ci chiedono di riconoscerci, ma di metterci in discussione. E forse è proprio questa la loro eredità più potente: ricordarci che stare insieme, nell’arte come nella vita, è sempre un atto radicale.
